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Catalogues d'expositions du Mucem

  • Folklore

    Collectif

    Quels liens unissent art moderne, art contemporain et folklore, des univers qu'en apparence tout oppose ? Employer le mot folklore, c'est convoquer une notion sujette à de multiples controverses et malentendus, et qui se retrouve néanmoins aujourd'hui encore au coeur de débats virulents, notamment en Europe. La définition même du folklore a suscité d'importantes polémiques : le terme, créé en Angleterre au milieu du XIXe siècle et signifiant littéralement le savoir du peuple, sera rapidement banni des milieux intellectuels et scientifiques au XXe siècle à cause de récupérations idéologiques ou de l'amateurisme de spécialistes souvent autoproclamés.
    Le folklore serait un savoir légendaire transmis par voie orale et partagé par une communauté, sur un territoire défini. Au-delà des objets et des savoir-faire qu'il génère, le folklore recouvre un patrimoine vivant et immatériel : dialectes, légendes, musiques et chants, danses, rites, fêtes, us et coutumes ponctuant le calendrier des saisons et des croyances. Cherchant des racines au sein même d'une culture indigène, les tendances folkloriques s'opposent, à l'origine, à la notion d'exotisme. Cette dimension identitaire a pu amener à faire revivre des pratiques jugées archaïques, menacées de disparition par l'industrialisation et la globalisation. Selon les cas, ces processus de sauvegarde et de résurgences peuvent être motivés par des réflexes réactionnaires ou des tentatives de résistance culturelle, parfois sous l'emprise de stéréotypes.
    Pour autant, le folklore infiltre aussi de différentes manières des pans entiers de la modernité et de la création contemporaine. Loin des clichés d'un passéisme suranné et artificiel, les avant-gardes artistiques ont pu ainsi y trouver une source d'inspiration, une puissance régénératrice ou bien un objet d'analyse et de critique.

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  • Dans un contexte de violences militaires, de révolutions et de contre-révolutions politiques, de bouleversements sociaux et technologiques, de changements démographiques accélérés, est-il possible de présenter ou de représenter la musique arabe?? Tout le sens de cet ouvrage, qui accompagne une exposition au Mucem, réside dans la présentation d'une irréductible multitude prévalant à tout niveau d'analyse?: existe-t-il "une" musique arabe ou "des" musiques arabes, des musiques arabes qui seraient aussi les musiques des non-arabes et des non-musulmans, malgré le rôle prépondérant de la récitation coranique dans l'esthétique du tarab? - "l'ivresse de la jouissance" selon l'auteur nobélisé Naguib Mahfouz ? L'ensemble de ces thèmes est examiné à la lumière des bouleversements sociologiques et politiques affectant directement le rôle de la musique dans la construction des identités nationales, les lieux de sa consommation, sa texture sonore et ses instruments, les médiums de sa diffusion, ainsi que ses types de production ou de reproduction.

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  • VETEMENTS MODELES

    MUCEM

    • Mucem
    • 29 Juillet 2020
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  • Catalogue officiel de l'exposition Voyages, voyage au Mucem (Marseille) du 21 janvier au 4 mai 2020.
    Début du XXe siècle : Matisse a traversé le Pacifique. Klee, Kandinsky ou Marquet arpentent les rues de Tunis et le port d'Alger... En voyage, ce qui se joue alors pour ces artistes se trouve dans les aplats de couleur, les lignes et la lumière :
    Les voies de l'abstraction se profilent. La modernité est en train de s'inventer.
    Au gré d'autres déplacements parfois dictés par l'histoire, le siècle verra évoluer cette modernité. En exil, Masson ou Brauner fuient l'Europe meurtrie par la Seconde Guerre mondiale : que se passe-t-il lorsque les surréalistes rencontrent les expressionnistes abstraits américains ? Quand Duchamp met son oeuvre « en valise » ? Et quand, dans le sillage des beatnik, César, Warhol ou Baquié questionnent la route et les moyens de transport eux-mêmes, tandis que le voyage comme loisir, le territoire comme objet de consommation, de spéculation deviennent sujets d'observations implacables, sous l'oeil de Martin Parr, de Camille Henrot ou d'Andreas Gursky ?
    Nous n'avons pas fini de voir les frontières brûler, les peuples migrer. Aujourd'hui plus que jamais, le geste artistique épouse et interroge les mouvements migratoires et fait sienne la posture d'exilé.

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  • MASSILIA TOY

    COLLECTIF

    • Mucem
    • 4 Janvier 2020
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  • Ce catalogue accompagne l'exposition "Kharmohra" qui se tiendra au Mucem à compter du 21 novembre 2019. L'Afghanistan vit depuis quarante ans au rythme des guerres, des destructions du patrimoine, des attentats, des migrations. Depuis quelques années, des programmes internationaux pour la création ont été mis en place et de jeunes artistes afghans sont rentrés de leur exil. Autodidactes ou formés dans des pays de migrations, ces artistes semblent être au seuil de tous les possibles, sans héritage à assumer, ni classicisme avec lequel rompre. Cet ouvrage donne à voir cette création contemporaine. Il explore une grande variété de formes et de supports pour exprimer l'horreur des attentats et l'omniprésence de la mort dans un espace urbain devenu hostile.

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  • Giono

    Collectif

    À la veille des commémorations du cinquantenaire de la disparition de Jean Giono (octobre 2020), cet ouvrage, catalogue de l'exposition « Giono » présentée au Mucem du 30 octobre 2019 au 17 février 2020, propose un récit visuel et littéraire qui, loin de l'image parfois simpli?ée de l'écrivain provençal, suit le trajet de son oeuvre écrite et ?lmée en lui rendant sa noirceur, son nerf et son universalité.
    Giono, poète revenu des charniers de la Première Guerre mondiale, s'est en effet autant attaché à décrire la profondeur du Mal qu'à en trouver les antidotes :
    Création, travail, paci?sme, amitié des peintres, refuge dans la nature, évasion dans l'imaginaire. Pour donner chair à l'un des artistes les plus proli?ques du XXe siècle, manuscrits, archives familiales et administratives, reportages photographiques, presse, carnets de travail et scénarios annotés dialoguent ici avec des textes d'auteurs contemporains qui disent leur admiration et leur attachement aux oeuvres de l'écrivain.
    Chaque partie de l'ouvrage est introduite par un texte de Jacques Mény, président de l'association des amis de Jean Giono, qui contextualise le travail de l'auteur en évoquant les grandes étapes de sa vie, de 1895 à 1970.

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  • LA FABRIQUE DES ILLUSIONS

    COLLECTIF

    • Mucem
    • 17 Août 2019
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  • Les îles évoquent en chacun de nous émotions et savoirs parfois imprévisibles :
    Souvenirs, désirs, vacances, couleurs et odeurs, jeux et lectures, inquiétudes... Elles constituent un catalogue de nos vies réelles et rêvées.
    En les arrachant à la seule géographie physique, en renversant l'approche traditionnelle qui les appréhende comme une figure de l'Autre et de l'Ailleurs, un lieu périphérique, éloigné voire marginal, le livre et l'exposition qui en est le prétexte interrogent espaces, savoirs et sociétés à partir de la condition îlienne et de ses expériences.
    Un croisement de domaines - histoire, philosophie, art, photographie, cinéma... - d'où la poésie et la politique ne sont pas absentes.

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  • Catalogue officiel de l'exposition  Jean Dubuffet, un barbare en Europe  du 24 avril au 2 septembre 2019 au Mucem. L'exposition voyagera ensuite à Barcelone puis au musée d'ethnographie de Genève.

    Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, la culture connaît une crise profonde. L'art constitue l'un des symptômes les plus aigus de ce processus de reconstruction politique, anthropologique et philosophique. Au sein de cette dynamique, l'artiste français Jean Dubuffet (1901-1985) est incontournable. Avec ses collectes pour la Compagnie de l'Art Brut et son propre travail de peintre, Dubuffet permet de dépasser la croyance en la supposée primitivité des artefacts annexés à la catégorie « art primitif », critiquant une certaine conception de la culture. Pour ce faire, il s'appuie sur un réseau de coopération mettant en lien artistes, écrivains, ethnologues et psychiatres qui participent de l'émergence d'une forme de relativisme culturel théorisé dans le champ de l'anthropologie d'alors. Restituer le cheminement de l'oeuvre de Dubuffet, sous l'angle de l'histoire culturelle et de l'anthropologie, c'est raconter cette redistribution des valeurs qui fondent notre culture contemporaine.
      Le catalogue s'articule en trois grandes sections :
    1. Célébration de l'homme du commun La figure fantasmatique de l'« homme du commun » est mise en oeuvre par le peintre au coeur de ses écrits et de sa peinture dès 1944. L'« homme du commun » est à tout à la fois une manière de se définir et se situer dans le monde en général, et dans le monde de l'art en particulier, le sujet de sa peinture et la représentation qu'il se fait de l'artiste authentique.
      2. Une ethnographie en acte Dès l'entre-deux-guerres, Jean Dubuffet s'intéresse aux productions plastiques situées aux franges de l'histoire de l'art occidental. L'entreprise de l'Art Brut initiée en 1945 est au coeur de sa réflexion. Si l'on retient bien souvent son intérêt pour les dessins, peintures, sculptures et assemblages réalisés dans le milieu asilaire, il ne faut pas négliger son appétence et ses connaissances relatives à l'art populaire, au dessin enfantin, aux arts anciens ou aux artefacts extra-occidentaux. Le large réseau de coopération mobilisant ethnographes, psychiatres et autres amateurs d'altérité l'atteste. Plus avant, le peintre détourne les usages ethnographiques au profit de son oeuvre et de sa pensée, procédant à une ethnographie en acte détournée.
      3. Critique de la culture La célébration de l'homme du commun et les rapports étroits qu'entretient Dubuffet avec les réflexions de l'ethnologie de son temps alimentent ce qui, dès 1949, s'institue comme une critique radicale de la culture humaniste. Dubuffet remet en cause la distribution des valeurs qui fondent celle-ci. Au coeur de son travail, le point de vue, le langage, les systèmes de croyance et les valeurs de l'art sont questionnés. La forme de relativisme absolu à laquelle procède alors le peintre ne va pas sans faire écho au travail de son contemporain Claude Lévi-Strauss, anthropologue intéressé par les démarches du peintre.
     

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  • Situé à l'entrée du port de Marseille, dans l'enceinte du Fort Saint-Jean, le Jardin des migrations propose un parcours à la découverte de l'histoire de la végétation méditerranéenne et de ses usages. Aménagé en 2013, il s'inscrit dans le projet du Mucem et illustre le brassage des cultures, des hommes et des plantes autour de la Méditerranée. Structuré en deux volets, cet ouvrage associe, d'une part, un beau livre illustré de multiples photographies qui retrace les origines du jardin, ses particularités et les modalités de son entretien et, d'autre part, un carnet dessiné présentant ses quinze îlots végétaux.

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  • On danse ?

    Collectif

    • Lienart
    • 7 Février 2019

    Que signifi e danser ? Faut-il un geste spécifi que, une suite ou une combinaison particulière de gestes ou de mouvements ? Faut-il qu'un geste, quel qu'il soit, soit répété, reproductible, fait à plusieurs ? Faut-il de la musique, un rythme ?
    La danse moderne et post-moderne et la danse contemporaine nous ont appris que la danse n'était pas forcément virtuose. Que des gestes très quotidiens peuvent « faire » danse.
    La danse n'est-elle alors qu'une question de regard ? Est danse ce que l'on décide de regarder comme tel : une foule dans une ville, un enfant qui fait ses premiers pas, des mouvements naturels créés par le vent, un animal qui se déplace, un mouvement répété, répétitif...
    L'acte de danser ne serait donc pas que l'apanage d'un corps stéréotypé, formé, formaté, exercé. Le corps en serait néanmoins l'outil premier.

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  • Une exposition présentant la vie de de G.H. Rivière, sa carrière, son rôle dans le monde des expositions et ses goûts personnels. Considéré comme le créateur du musée moderne, il participa à l'émergence de la muséologie et de l'ethnographie de la France. Il fonda également le Musée des arts et traditions populaires à Paris et fut directeur du Conseil international des musées de 1948 à 1964.

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  • Fan-tan

    Wei Wei Ai

    Acteur majeur de la scène artistique internationale, Ai Weiwei propose dans ce catalogue de son exposition au Mucem - qui présente le plus gros ensemble d'oeuvres jamais réuni en France - un voyage artistique, autobiographique, culturel, historique et politique.

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  • Le 15 novembre 2010, l'Unesco classait le repas gastronomique des français au patrimoine culturel immatériel de l'humanité. Par gastronomique, l'Unesco ne signifiait pas bonne ou haute cuisine mais la mise en discours de règles du manger et du boire qui structurent encore aujourd'hui le repas des français. Le propos de cette exposition est de montrer comment la photo peut rendre compte de l'évolution de ce patrimoine.
    Des autochromes re-colorisés de la première guerre mondiale aux dizaines de millions d'images de #pornfood ; de la collection d'albums d'une seule et même famille sur plus de 40 ans à l'épopée des fiches cuisines du magazine Elle, «Manger à l'oeil» retrace l'histoire singulière du rapport des français avec leur repas. Ce siècle de représentation de nos repas est parcouru par le regard de grands noms de la photographie dont les images deviennent avec le temps des documents iconiques. Ces images sont confrontées à celles d'une collecte de photos d'amateurs, à des images publicitaires, de presse et à des extraits d'émissions télévisées devenues cultes. À cette archéologie de nos modes de consommation, de nos résistances, de nos engagements, tant vis à vis de l'image que de notre nourriture, correspond la chronologie de l'évolution des modes de diffusion et de partage de la photographie.

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  • Or

    Collectif

    • Hazan
    • 25 Avril 2018

    Le Mucem prépare pour le premier semestre 2018,  du 24 avril au 10 septembre 2018,  une exposition sur l'or. L'or rencontre en effet  dans l'expression artistique contemporaine un succès d'une ampleur inédite et d'un genre nouveau.

    Symbole traditionnel du pouvoir et de la richesse, pour sa rareté, son prix et son éclat, il est aussi, par sa plasticité même, le matériau de toutes les métamorphoses. Cette qualité émancipatrice en fait le support privilégié d'une nouvelle poétique, nous invitant à repenser nos approches du sacré, du politique, de l'esthétique ou du social. Ce phénomène révèle aujourd'hui la plasticité voire la fluidité d'un matériau qui ne s'est jamais réduit au fil de l'histoire à ses seules expressions figées.

    Il ne s'agit donc pas d'offrir au public une nouvelle accumulation de trésors qui ne retiendraient de ce métal précieux que son éclat mort.  Le dialogue entre archéologie, histoire et création contemporaine permettra au contraire d'appréhender l'or dans ses imaginaires oniriques, politiques et sa luminosité créatrice.

    I. L'or, un trésor avant tout Lorsqu'on évoque l'or dans un contexte euro-méditerranéen, on pense avant toute chose à la matière précieuse, à sa thésaurisation, à son accumulation sous forme de trésor... Cette première partie vise à identifier les différents aspects des clichés entourant ce métal particulier.

    II. La plasticité de l'or Cependant l'or ne se limite pas à ces questions de possession, d'accumulation et de thésaurisation. L'or est plastique non seulement d'un point de vue technique mais aussi du point de vue de son usage dans la société (sa capacité à être fondu, refondu, échangé).  Perçu de cette manière, il n'est plus seulement le témoignage d'une richesse accumulée mais celui de la potentialité d'un échange.

    III. La symbolique de l'or La présence de l'or sur différents supports constitue aussi un investissement symbolique. Qu'elle soit pérenne, récurrente ou éphémère, l'apparition de l'or met en évidence ce qu'une société se donne comme valeurs suprêmes, comme autant de signes représentatifs d'un ordre établi. L'or prend alors une valeur de représentation pour une communauté.

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  • NOUS SOMMES ICI

    GANDOLFO GABRIELE DAVID

    • Mucem
    • 23 Avril 2018
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  • Entre 1916 et 1921, Picasso collabore à quatre spectacles de Sergei Diaghilev pour lesquels il réalise décors et costumes : les ballets «Parade »(1917), «Tricorne »(1919), «Pulcinella» (1920), et «Cuadro Flamenco» (1921). Cette expérience expose le peintre au langage du corps et de la danse, lui inspirant de nouvelles possibilités formelles, qu'il mêle à des éléments empruntés au théâtre de marionnettes, à la commedia dell'arte, à l'art sacré ou encore au folklore espagnol. Confrontant oeuvres de l'artiste (toiles, dessins, esquisses, maquettes, costumes) et objets issus des collections du Mucem, ce catalogue d'exposition (Mucem, 16 février au 24 juin 2018) montre comment Picasso a su assimiler et réinterpréter les traditions figuratives de son temps, pour les placer au centre d'une nouvelle modernité.
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  • Roman-photo

    Frederique Deschamps

    • Textuel
    • 25 Octobre 2017

    Perçu comme un sous-genre vulgaire, le roman-photo avait jusqu'ici échappé à l'oeil des musées. On s'amuse de l'atmosphère kitch des décors et des dialogues, et on reste stupéfait devant la beauté des portraits N&B de la collection Mondadori qui rappelle les meilleures heures du cinéma italien des années 60/70. Certaines images sont des petits chefs-d'oeuvre, mêlant expressionisme et réalisme et créant un langage iconographique unique en son genre.

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  • Dès son premier long métrage, À Bout de souffle (1960), Jean-Luc Godard se montre attentif à la bande dessinée, au roman-photo et à la publicité. Il s'empare de ces images populaires pour construire certaines séquences cinématographiques, y fait des allusions ou les cite dans ses films, mais surtout - de façon plus originale et plus méconnue - s'en empare hors écran. C'est ainsi qu'entre 1960 et 1968, Godard fait accompagner ses films, dans la presse, d'un important appareil promotionnel qui puise aux registres de la BD et du romanphoto.
    Au-delà de leur aspect publicitaire, les bandes dessinées et les « romansfilms » conçus pour À Bout de souffle ou Alphaville participent à la fabrication de l'oeuvre. Le scénario imagé du Petit Soldat, paru dans Les Cahiers du cinéma, les romans-photos d'Une Femme est une femme et d'Une Femme mariée (conçu par son actrice Macha Méril) sont des prolongements du cinéma hors la salle :
    Une extension de l'action de l'artiste à tout l'espace médiatique, qui repose sur l'affirmation de la séquence comme fondement de l'acte cinématographique - le moyen pour Godard d'exercer son art en « contrebandes ». Contrebandes Godard reproduit de nombreux documents restés inédits depuis les années 1960 et fait la part belle à plusieurs oeuvres dans leur intégralité. Ces documents sont présentés par Pierre Pinchon et Marie-Charlotte Calafat, historiens de l'art.

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